Apprendre la photo : le guide complet pour débuter
par Adrien Coquelle
Apprendre la photo, c’est souvent se retrouver face à un mur de termes techniques incompréhensibles, de réglages qui semblent réservés aux initiés, et de clichés désespérément flous alors qu’on y avait mis tout son cœur.
Et cette frustration, croyez-moi, vous n’êtes pas le seul à la ressentir. Alors non, il n’est absolument jamais trop tard pour commencer la photographie avec méthode et sérénité.
C’est pourquoi j’ai conçu cet article comme un guide simple, étape par étape, pour vous accompagner sans jamais vous noyer sous le jargon.
Concrètement, voici ce que vous allez y trouver : d’abord, le choix du bon appareil pour débuter sérieusement, sans erreur de matériel. Ensuite, le fameux triangle d’exposition enfin rendu limpide, grâce à des analogies tirées du quotidien. Puis, la sortie progressive du mode automatique, avec des modes semi-manuels qui sont faits pour vous. Et enfin, les règles de composition et de lumière qui transforment un simple cliché en une image qui raconte véritablement quelque chose.
Car si il y a une chose à retenir, c’est que la technique n’est qu’un outil au service de l’émotion. Et le temps que vous avez devant vous est en fait votre meilleur atout pour observer, pratiquer et progresser en pleine nature.
D’ailleurs, tout commence par une décision souvent sous-estimée : celle de l’appareil que vous tenez entre les mains.
Apprendre la photo en 30 secondes
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Il n’est jamais trop tard pour commencer la photographie, surtout quand on a du temps et l’envie d’observer la nature.
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Pour apprendre la photo sérieusement, un Réflex ou un Hybride avec un zoom polyvalent est le duo idéal pour débuter.
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Le triangle d’exposition (ouverture, vitesse, ISO) n’a rien de sorcier : ce sont trois réglages simples qui fonctionnent ensemble comme un robinet.
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Le mode Priorité Ouverture est votre meilleur allié pour quitter le mode automatique en douceur et réussir 90% de vos photos de nature.
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La technique ne fait pas tout : apprendre à composer une image et lire la lumière naturelle, c’est ce qui transforme un cliché ordinaire en une photo qui vous rend fier.
Chapitre 01
Quel appareil pour apprendre la photo sans se tromper ?
Je vais être direct avec vous.
Le matériel ne fait pas le photographe. Mais un mauvais choix de matériel peut sérieusement freiner votre apprentissage.
C’est un peu comme vouloir apprendre à conduire sur un karting de fête foraine. Vous allez tourner en rond, vous amuser cinq minutes, mais vous ne saurez jamais passer une vitesse ni négocier un vrai virage.
Pour apprendre la photo dans de bonnes conditions, il faut un outil qui vous laisse prendre les commandes. Un outil qui vous donne accès aux réglages essentiels, avec une ergonomie pensée pour ça.
Et c’est là que beaucoup de débutants font une erreur dès le départ.
1.1
Pourquoi le smartphone et le bridge ne suffisent pas pour apprendre la photographie
Je sais, c’est un peu à contre-courant de ce qu’on lit partout.
“Le meilleur appareil, c’est celui qu’on a sur soi.” Cette phrase, vous l’avez forcément entendue. Et elle est vraie pour capturer un souvenir rapide. Mais elle devient complètement fausse quand l’objectif est d’apprendre la photographie sérieusement, surtout en pleine nature.
Voilà le problème fondamental : la taille du capteur.
Le capteur, c’est le composant qui reçoit la lumière à l’intérieur de votre appareil. C’est lui qui “voit” la scène. Et en photographie, la taille compte énormément.
Le capteur d’un smartphone est minuscule. Celui d’un bridge aussi, à peine plus grand. En comparaison, le capteur d’un Réflex ou d’un Hybride est parfois 30 à 40 fois plus grand que celui de votre téléphone.
Concrètement, un petit capteur, ça signifie :
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Moins de lumière captée, donc des images qui se dégradent très vite dès que le soleil baisse (en forêt, à l’aube, au crépuscule, c’est-à-dire les meilleurs moments pour la photo de nature)
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Moins de possibilité de créer du flou d’arrière-plan, ce fameux bokeh qui isole un oiseau ou une fleur du reste de la scène
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Plus de “bruit” numérique, ces petits grains disgracieux qui envahissent l’image quand la lumière manque
Mais il y a un autre problème, et il est tout aussi important : l’ergonomie.
Sur un smartphone, les réglages manuels existent, oui. Mais ils sont enfouis dans des menus, accessibles du bout du pouce sur un écran tactile. Essayez donc de modifier votre vitesse d’obturation avec des gants en plein hiver, au bord d’un étang, pendant qu’un héron se pose à 30 mètres de vous.
C’est tout simplement ingérable.
Un bridge offre un peu plus de confort, mais il souffre du même défaut de capteur. Et ses objectifs, soudés au boîtier, ne sont pas interchangeables. Vous êtes coincé avec ce que vous avez. Pour bien comprendre les différences concrètes entre les formats de capteurs et leur impact sur vos images, notamment en basse lumière, ça vaut le coup d’y regarder de plus près.
Pour apprendre à photographier la nature avec méthode, il vous faut un appareil qui possède :
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Un grand capteur (APS-C au minimum, idéalement plein format)
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Des molettes physiques pour changer vos réglages en une seconde, sans quitter l’œil du viseur
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Un viseur optique ou électronique digne de ce nom, pour cadrer confortablement
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La possibilité de changer d’objectif selon la situation
Et ça, seuls deux types d’appareils le proposent : le Réflex et l’Hybride.
Le Réflex, c’est la valeur sûre. Robuste, éprouvé, avec un marché de l’occasion extraordinaire. Vous trouverez des boîtiers fiables à des prix très raisonnables.
L’Hybride, c’est la technologie plus récente. Plus compact, souvent plus léger, avec des fonctions modernes comme la stabilisation du capteur ou un autofocus très performant sur l’œil des animaux. Si vous hésitez entre les deux, je vous recommande de lire notre comparatif réflex vs hybride pour la photo animalière avant de vous décider.
Les deux sont d’excellents choix. L’important, c’est d’en tenir un entre les mains et de sentir que les commandes tombent naturellement sous vos doigts.
1.2
L’importance de l’objectif pour la photo de nature
Il faut savoir que le boîtier, c’est le cerveau. Mais l’objectif, c’est l’œil.
Et en photographie, l’objectif compte souvent plus que le boîtier lui-même. C’est lui qui détermine la qualité optique de votre image, sa netteté, son contraste, et surtout ce que vous pouvez cadrer.
La notion clé ici, c’est la focale. Ne vous inquiétez pas, c’est très simple.
La focale, exprimée en millimètres, c’est en fait le “pouvoir de rapprochement” de votre objectif.
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Un petit nombre (18 mm, 24 mm) donne une vision très large, comme quand vous ouvrez grand les yeux pour embrasser un paysage
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Un grand nombre (200 mm, 400 mm) rapproche les sujets éloignés, comme quand vous plissez les yeux pour regarder un détail au loin
Voilà, c’est aussi simple que ça.
Pour commencer la photographie de nature sans se ruiner et sans se tromper, je recommande systématiquement la même chose : un zoom polyvalent de type 18-200 mm ou 70-300 mm.
Ce genre d’objectif couvre une plage de focales suffisamment large pour s’adapter à presque toutes les situations :
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Un chevreuil au fond d’une clairière, vous zoomez à 300 mm
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Un paysage de montagne au lever du soleil, vous dézoomez à 70 mm ou 18 mm
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Une libellule posée sur un roseau à quelques mètres, vous utilisez une focale intermédiaire
C’est votre couteau suisse pour le terrain.
La fois où j’ai commencé à photographier sérieusement les oiseaux dans les marais de Brière, je n’avais qu’un 70-300 mm assez basique monté sur un Réflex d’occasion. Rien de luxueux. Mais cet objectif m’a permis d’apprendre à cadrer, à gérer la distance, à comprendre comment la focale change radicalement la perception d’une scène. J’ai fait mes erreurs avec, j’ai aussi fait mes premières photos dont j’étais vraiment fier. Le matériel était modeste, mais il me laissait les mains libres pour progresser.
Ne tombez pas dans le piège de vouloir le meilleur objectif du monde dès le premier jour. Un bon zoom polyvalent d’occasion, fiable et bien entretenu, vous accompagnera pendant des mois, voire des années d’apprentissage photo.
L’essentiel, c’est d’avoir entre les mains un duo boîtier-objectif qui vous donne accès à tous les réglages et qui vous permet de voir loin quand la nature l’exige.
Parce que maintenant que votre matériel est choisi, il va falloir comprendre comment il fonctionne. Et tout repose sur trois réglages simples qui travaillent ensemble, en permanence, à chaque déclenchement.
En bref
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Le capteur est le critère n°1 : smartphone et bridge ont des capteurs trop petits pour gérer la basse lumière et créer du flou d’arrière-plan
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Choisir un Réflex ou un Hybride avec un capteur APS-C au minimum, des molettes physiques et la possibilité de changer d’objectif
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L’objectif compte plus que le boîtier : c’est lui qui détermine la netteté, le contraste et le cadrage de vos images
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Un zoom polyvalent type 70-300 mm est le meilleur choix pour débuter en photo de nature sans se ruiner
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Le marché de l’occasion permet de s’équiper d’un duo boîtier-objectif fiable à prix très raisonnable
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Inutile de viser le haut de gamme dès le départ : un matériel modeste mais adapté suffit largement pour progresser pendant des mois
Chapitre 02
Les bases de la photographie : comprendre le triangle d’exposition
Trois réglages. Seulement trois.
C’est tout ce qui sépare une photo trop sombre d’une image parfaitement exposée. Tout ce qui fait la différence entre un oiseau figé en plein vol et une bouillie floue inutilisable.
Ces trois réglages, on les appelle le triangle d’exposition. Et je vous promets que c’est bien moins intimidant que le nom ne le laisse croire.
En fait, pour apprendre la photo, il suffit de comprendre comment ces trois paramètres travaillent ensemble. Pas besoin de formules mathématiques ni de cours de physique. Juste une image mentale simple, et tout va s’éclairer.
Alors voilà l’analogie que j’utilise depuis des années, parce qu’elle fonctionne à chaque fois.
Imaginez un robinet qui remplit un verre d’eau. Votre objectif, c’est de remplir le verre pile au bon niveau. Pas trop (image trop claire), pas trop peu (image trop sombre).
Pour y arriver, vous avez trois leviers :
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L’ouverture du robinet (le diaphragme) : plus vous l’ouvrez grand, plus l’eau coule vite
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Le temps pendant lequel vous laissez couler (la vitesse d’obturation) : plus vous laissez le robinet ouvert longtemps, plus le verre se remplit
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La taille du verre (la sensibilité ISO) : un petit verre se remplit plus vite, mais déborde facilement
Le verre rempli au bon niveau, c’est votre photo correctement exposée.
C’est tout. Le reste, c’est de la pratique.
Maintenant, voyons chaque réglage en détail, avec des exemples concrets tirés du terrain.
2.1
L’ouverture du diaphragme : gérer la lumière et le flou pour apprendre la photo
Le diaphragme, c’est un mécanisme physique situé à l’intérieur de votre objectif. Il ressemble à un petit iris, exactement comme la pupille de votre œil.
D’ailleurs, c’est la meilleure façon de le comprendre.
Quand vous sortez d’une pièce sombre et que le soleil vous éblouit, votre pupille se contracte immédiatement pour laisser entrer moins de lumière. Et quand vous entrez dans une forêt dense au crépuscule, elle se dilate pour capter le maximum de lumière disponible.
Le diaphragme de votre objectif fait exactement la même chose. Sauf que c’est vous qui décidez de l’ouvrir ou de le fermer.
On mesure cette ouverture avec un nombre qu’on note f/ suivi d’un chiffre. Par exemple : f/2.8, f/5.6, f/11, f/16.
Et c’est là qu’il y a un petit piège qui déroute tout le monde au début.
Plus le chiffre est petit, plus l’ouverture est grande. C’est contre-intuitif, je sais. Mais retenez simplement ceci :
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f/2.8 = grande ouverture = beaucoup de lumière qui entre
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f/16 = petite ouverture = peu de lumière qui entre
Voilà, c’est inversé. Une fois que vous avez accepté cette bizarrerie, le reste coule de source.
Mais l’ouverture ne contrôle pas seulement la quantité de lumière. Elle a un deuxième effet absolument fondamental : elle détermine la profondeur de champ.
La profondeur de champ, c’est la zone de netteté dans votre image. En d’autres termes, c’est l’épaisseur de la tranche qui sera nette, entre le premier plan et l’arrière-plan.
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Grande ouverture (f/2.8, f/4) : la zone nette est très fine. Votre sujet est net, mais tout le reste devient un joli flou crémeux. C’est idéal pour isoler une fleur dans une prairie ou un rouge-gorge posé sur une branche.
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Petite ouverture (f/11, f/16) : la zone nette est très large. Presque tout est net, du premier plan jusqu’à l’horizon. C’est parfait pour un paysage de montagne.
C’est pour ça que l’ouverture est souvent le premier réglage que je choisis quand je compose une image en pleine nature. Avant même de penser à la vitesse ou aux ISO.
Je me pose toujours la même question : est-ce que je veux isoler mon sujet du décor, ou est-ce que je veux que tout soit net ?
La réponse dicte l’ouverture. Et le reste suit naturellement.
Un martin-pêcheur posé sur un piquet au bord d’un étang, avec un fond de roseaux complètement fondu dans un vert doux et uniforme : c’est f/4, voire f/2.8 si votre objectif le permet. Le regard est immédiatement attiré par l’oiseau, rien d’autre ne vient distraire l’œil.
Un panorama de marais à l’aube, avec des nénuphars au premier plan et une ligne de saules au fond : c’est f/11, pour que chaque élément de la scène soit bien dessiné.
Il faut savoir que quand on débute en photographie, c’est souvent cette notion de flou d’arrière-plan qui produit le premier “déclic” dans la tête. Le moment où l’on comprend que ce flou n’est pas un défaut, mais un choix artistique délibéré, c’est un tournant. Pour maîtriser la profondeur de champ et obtenir de beaux bokeh, tout part en réalité de ce seul réglage d’ouverture.
2.2
La vitesse d’obturation : figer le mouvement ou le suggérer
L’obturateur, c’est un rideau mécanique (ou électronique sur les Hybrides récents) situé juste devant le capteur de votre appareil.
Quand vous appuyez sur le déclencheur, ce rideau s’ouvre, laisse la lumière frapper le capteur pendant une durée précise, puis se referme.
Cette durée, c’est la vitesse d’obturation. On l’exprime en fractions de seconde : 1/1000, 1/500, 1/250, 1/60, 1 seconde, etc.
Le principe est limpide :
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Vitesse rapide (1/1000, 1/2000) : le rideau s’ouvre et se referme en un éclair. Tout mouvement est figé net. L’aile du faucon crécerelle en plein piqué, les gouttelettes d’eau autour d’un canard qui se pose, chaque détail est cristallisé.
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Vitesse lente (1/30, 1/2 seconde) : le rideau reste ouvert longtemps. Tout ce qui bouge dans la scène laisse une trace, un filé. L’eau d’une rivière devient soyeuse, les herbes balayées par le vent se transforment en traînées douces.
La fois où j’ai compris la puissance de la vitesse d’obturation, c’était au bord d’un torrent en Auvergne. Je photographiais les cascatelles avec une vitesse de 1/500 de seconde. Le résultat était net, propre, mais complètement banal. On aurait dit une photo de catalogue. Puis j’ai ralenti la vitesse à 1/4 de seconde, posé l’appareil sur un rocher pour éviter le flou de bougé, et là, l’eau s’est transformée en voile de soie entre les pierres moussues. La même scène, le même endroit, mais une image radicalement différente. Juste en tournant une molette.
C’est ça, la magie de ce réglage.
Mais attention, la vitesse d’obturation a un piège redoutable quand on débute : le flou de bougé.
Le flou de bougé, ce n’est pas le mouvement du sujet. C’est le mouvement de vos mains qui tiennent l’appareil. Même une respiration un peu forte peut suffire à rendre une image floue si la vitesse est trop lente.
Il existe une règle simple pour s’en prémunir. Elle n’est pas gravée dans le marbre, mais elle fonctionne bien comme repère :
Votre vitesse d’obturation minimale à main levée doit être au moins égale à l’inverse de votre focale.
Concrètement :
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Vous photographiez à 300 mm ? Visez au minimum 1/300 de seconde (arrondi à 1/320 ou 1/500 pour être tranquille)
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Vous photographiez à 100 mm ? 1/100 de seconde minimum
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Vous photographiez à 50 mm ? 1/50 de seconde suffit
C’est un repère, pas une loi absolue. La stabilisation optique de votre objectif ou de votre boîtier peut vous faire gagner quelques paliers. Mais en photo animalière, où les sujets sont souvent lointains et photographiés à longue focale, mieux vaut être du côté de la prudence. Si vous voulez aller plus loin pour ne plus jamais rater vos photos à cause du flou de bougé, quelques astuces de terrain font toute la différence.
Je préfère toujours une image un peu plus sombre que je peux éclaircir au post-traitement, plutôt qu’une image floue qui est irrécupérable. Le flou de bougé, c’est la seule erreur qu’aucun logiciel ne peut rattraper.
2.3
La sensibilité ISO : la roue de secours du photographe débutant
Voilà le troisième et dernier côté du triangle.
Les ISO, c’est la sensibilité du capteur à la lumière. Plus la valeur ISO est élevée, plus le capteur devient sensible, et plus il arrive à capter de lumière dans des conditions difficiles.
Typiquement : ISO 100, ISO 400, ISO 800, ISO 1600, ISO 3200, et ça peut monter bien plus haut sur les boîtiers récents.
Donc en théorie, il suffirait de monter les ISO à fond pour photographier dans n’importe quelle obscurité. Sauf que non.
Parce que monter les ISO a un coût : le bruit numérique.
Le bruit, ce sont ces petits grains colorés, cette sorte de fourmillement disgracieux qui envahit l’image, surtout dans les zones sombres et les aplats de couleur. Plus vous montez les ISO, plus le bruit s’installe. Et au-delà d’un certain seuil, l’image perd toute finesse. Les détails des plumes d’un oiseau disparaissent, les textures de la mousse deviennent pâteuses, les couleurs se dégradent.
C’est pour ça que je considère les ISO comme une roue de secours. Pas comme un réglage de confort.
Ma méthode est simple et je la recommande à tous ceux qui veulent apprendre à photographier avec rigueur :
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Je règle d’abord l’ouverture en fonction de l’effet artistique que je veux (flou d’arrière-plan ou netteté globale)
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Je règle ensuite la vitesse en fonction du mouvement de mon sujet (figer ou suggérer)
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Et seulement si la lumière manque, je monte les ISO, palier par palier, jusqu’à obtenir une exposition correcte
En pratique, sur un boîtier APS-C de bonne qualité, vous pouvez monter sans trop de souci jusqu’à ISO 1600, parfois ISO 3200. Au-delà, le bruit commence à se voir nettement, surtout si vous recadrez vos images.
Sur un plein format, vous avez plus de marge. ISO 3200, voire 6400 restent tout à fait exploitables sur les modèles récents.
Voici un exemple concret pour fixer les idées.
Vous êtes en forêt, fin d’après-midi. La lumière est belle mais faible sous le couvert des arbres. Un pic épeiche tambourine sur un tronc à 15 mètres de vous. Vous êtes à 300 mm.
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Ouverture : f/5.6 (la plus grande ouverture de votre zoom à 300 mm, pour capter un maximum de lumière et isoler l’oiseau)
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Vitesse : 1/500 de seconde minimum (pour figer le mouvement de sa tête)
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Et malgré ça, votre image est encore trop sombre
C’est là que les ISO entrent en jeu. Vous montez à ISO 800. Toujours trop sombre. ISO 1600. Voilà, l’exposition est bonne. Le pic est net, l’arrière-plan est joliment flou, et le bruit reste discret.
Les ISO vous ont sauvé la photo. Mais vous ne les avez utilisés qu’en dernier recours, après avoir réglé les deux autres paramètres.
C’est cette logique qui doit devenir un réflexe : ouverture d’abord, vitesse ensuite, ISO en dernier. Et à force de la pratiquer sur le terrain, elle deviendra aussi naturelle que de tourner le volant en voiture.
Le triangle d’exposition, c’est finalement un jeu d’équilibre permanent entre ces trois réglages. Quand vous ouvrez davantage le diaphragme, vous pouvez utiliser une vitesse plus rapide. Quand la lumière baisse, vous compensez avec les ISO. Chaque modification d’un paramètre a un impact sur les deux autres.
Et une fois que cette mécanique est comprise, il ne reste plus qu’à savoir comment votre appareil peut vous aider à la mettre en pratique, sans tout gérer à la main dès le premier jour.
En bref
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Le triangle d’exposition repose sur trois réglages : l’ouverture du diaphragme, la vitesse d’obturation et la sensibilité ISO. Tous les trois travaillent ensemble pour déterminer la luminosité de votre image.
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L’ouverture (f/) contrôle la quantité de lumière qui entre dans l’objectif et détermine la profondeur de champ. Plus le chiffre est petit (f/2.8), plus l’ouverture est grande et plus le flou d’arrière-plan est prononcé.
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La vitesse d’obturation
Chapitre 03
Comment apprendre la photographie en sortant du mode Auto
Maintenant, on passe aux choses concrètes.
Vous connaissez les trois réglages du triangle d’exposition. Vous savez ce que font l’ouverture, la vitesse et les ISO. Mais il reste un problème de taille : tout gérer en même temps, sur le terrain, avec un sujet qui peut s’envoler à tout instant.
Et c’est là que beaucoup de photographes débutants se découragent.
Ils passent du mode Auto au mode Manuel, se retrouvent avec des images noires ou complètement cramées, et retournent illico sur le petit rectangle vert de la molette en se disant que ce n’est pas pour eux.
Je vais vous dire un truc important : le mode tout Manuel, ce n’est pas l’objectif à atteindre pour apprendre la photo. En tout cas, pas tout de suite.
Il existe un entre-deux absolument génial. Des modes semi-automatiques qui vous donnent le contrôle sur le réglage qui compte le plus, tout en laissant l’appareil s’occuper du reste.
C’est exactement comme passer d’une voiture automatique à une semi-automatique avec palettes au volant. Vous reprenez la main sur ce qui est important, sans avoir à tout gérer en même temps.
Ces modes, ce sont les modes Priorité. Et croyez-moi, c’est avec eux que j’ai réellement commencé à progresser. Pas avec le mode Manuel. Avec les Priorités.
Deux modes à connaître. Deux, c’est tout. Et dans 90 % de vos sorties nature, un seul des deux suffira.
Le mode Priorité Ouverture (Av ou A) : votre meilleur allié pour apprendre la photographie
C’est LE mode que je recommande à tous ceux qui veulent commencer la photographie sérieusement, sans stress.
Sur votre molette de modes, il s’appelle Av (chez Canon) ou A (chez Nikon, Sony, Fuji et la plupart des autres marques). “A” pour Aperture, qui signifie ouverture en anglais.
Le principe est d’une simplicité absolue :
- Vous choisissez l’ouverture (f/4, f/5.6, f/8, f/11… selon l’effet que vous voulez)
- L’appareil calcule automatiquement la vitesse d’obturation qui va avec, pour obtenir une exposition correcte
Voilà. C’est tout.
Vous gardez le contrôle sur la profondeur de champ, c’est-à-dire sur le rendu artistique de votre image. Et l’appareil se charge de la partie “calcul” pour que la luminosité soit bonne.
En pratique, voici comment je procède quand je suis sur le terrain et que je passe en mode Av :
- •Je tourne la molette de mode sur Av (ou A)
- Je règle mes ISO sur Auto pour commencer (avec une limite haute à 1600 ou 3200 selon mon boîtier, dans les menus) — si vous ne savez pas encore comment configurer ça, j’explique tout dans cet article sur l’utilisation des ISO auto en photo de nature
- Je choisis mon ouverture en fonction de ce que je veux faire
Et concrètement, ça donne ça :
- Un chevreuil à l’orée d’un bois ? Je mets f/4 ou f/5.6 pour l’isoler du décor avec un joli flou d’arrière-plan. L’appareil ajuste la vitesse tout seul.
- Un paysage de marais sous un ciel dramatique ? Je passe à f/8 ou f/11 pour que tout soit net du premier plan à l’horizon. L’appareil ralentit la vitesse en conséquence.
- Une fleur de digitale en sous-bois ? f/4 grand ouvert, pour faire disparaître les tiges et les feuilles parasites derrière elle.
C’est pour ça que le mode Priorité Ouverture est le mode roi de la photo de nature. Parce qu’en pleine nature, la profondeur de champ est presque toujours la première décision créative à prendre. Est-ce que je veux isoler mon sujet ou raconter tout un décor ?
Il faut savoir que la grande majorité de mes photos publiées, y compris celles dont je suis le plus fier, ont été réalisées en mode Av. Pas en Manuel. En Priorité Ouverture.
La fois où j’ai photographié un renard roux traversant une prairie givrée à l’aube, en Sologne, j’étais en Av à f/4, ISO Auto. L’appareil a géré la vitesse à 1/800 de seconde tout seul. Moi, je n’ai eu qu’à me concentrer sur le cadrage et la mise au point. Le résultat : un renard parfaitement net, détaché d’un fond de prairie noyé dans un flou doré par la lumière rasante. Si j’avais dû jongler avec trois réglages en même temps, le renard aurait disparu dans les hautes herbes avant que j’aie trouvé la bonne exposition.
Un seul point de vigilance tout de même : surveillez la vitesse que l’appareil choisit.
Si vous êtes à f/5.6 en sous-bois et que l’appareil descend à 1/60 de seconde alors que vous photographiez à 300 mm, vous allez avoir du flou de bougé. Dans ce cas, deux solutions :
- Ouvrir davantage le diaphragme (si votre objectif le permet)
- Ou vérifier que les ISO montent suffisamment pour compenser
C’est un réflexe à acquérir : jeter un œil régulier sur la vitesse affichée dans le viseur. Avec le temps, ça devient automatique. Vous verrez le chiffre défiler et vous saurez immédiatement si c’est bon ou pas.
Le mode Av, c’est votre porte d’entrée vers la photographie créative. C’est avec lui que vous allez comprendre, image après image, comment l’ouverture transforme le rendu de vos clichés. Et c’est cette compréhension progressive, bâtie sur des centaines de déclenchements en conditions réelles, qui va ancrer les bases dans votre mémoire musculaire.
Mais il y a des situations où l’ouverture n’est pas la priorité. Des moments où c’est le mouvement qui dicte tout.
Le mode Priorité Vitesse (Tv ou S) : apprendre à photographier l’action
Ce mode s’appelle Tv chez Canon (pour Time Value) ou S chez les autres marques (pour Speed). Le principe est exactement l’inverse du précédent :
- Vous choisissez la vitesse d’obturation
- L’appareil ajuste l’ouverture automatiquement
Donc c’est vous qui décidez si vous figez le mouvement ou si vous le laissez filer. L’appareil s’occupe du reste.
Ce mode est moins utilisé que le Priorité Ouverture, c’est vrai. Mais il devient absolument indispensable dans certaines situations bien précises :
- Un oiseau en vol : vous avez besoin de 1/2000 ou 1/2500 de seconde minimum pour figer les ailes. Vous réglez cette vitesse, et l’appareil ouvre le diaphragme au maximum pour compenser.
- Un mammifère en course (un lièvre qui détale, un cerf qui bondit) : 1/1000 à 1/1600 de seconde. La vitesse est non négociable si vous voulez une image nette.
- Un filé artistique sur un vol de grues ou de flamants : là, au contraire, vous descendez volontairement à 1/30 ou 1/60 de seconde et vous suivez le sujet avec un mouvement panoramique fluide. Le fond devient un trait de couleur horizontal, l’oiseau reste relativement net. L’effet est saisissant.
En fait, le mode Priorité Vitesse est votre assurance anti-flou quand le sujet bouge vite. Vous verrouillez la vitesse qui vous garantit la netteté, et vous laissez le boîtier se débrouiller avec l’ouverture.
Voici les repères de vitesse que j’utilise systématiquement pour la photo de nature, et que je vous recommande de noter quelque part au début — pour aller plus loin sur ce sujet, consultez cet article complet sur la vitesse d’obturation en photographie :
- Oiseau en vol : 1/2000 s minimum (1/2500 à 1/4000 pour les rapaces ou les passereaux rapides)
- Animal en mouvement modéré (marche, trot) : 1/500 à 1/1000 s
- Animal immobile (posé, à l’affût) : 1/250 à 1/500 s selon la focale
- Eau soyeuse, filé créatif : 1/15 à 1/4 s (trépied obligatoire)
Le piège du mode Tv, c’est le manque de lumière. Si vous demandez 1/2000 de seconde en sous-bois le soir, l’appareil va ouvrir le diaphragme au maximum. Et si ça ne suffit pas, il va quand même prendre la photo, mais elle sera sous-exposée. Trop sombre. Certains boîtiers affichent un avertissement (le chiffre de l’ouverture clignote dans le viseur), mais c’est facile de le rater dans le feu de l’action.
Donc en mode Tv, gardez un œil sur l’ouverture affichée. Si elle clignote ou si elle est déjà au maximum de ce que votre objectif permet (f/5.6 sur un 70-300 mm par exemple), ça veut dire que la lumière manque. Il faut soit monter les ISO, soit accepter de descendre un peu la vitesse.
En résumé, voici comment apprendre la photo efficacement en sortant du mode Auto, sans se mettre la pression :
- 90 % du temps : mode Priorité Ouverture (Av/A). Vous contrôlez le flou et la profondeur de champ. Parfait pour les portraits d’animaux, les paysages, la macro, les ambiances.
- 10 % du temps : mode Priorité Vitesse (Tv/S). Quand le mouvement rapide impose une vitesse minimale non négociable. Oiseaux en vol, mammifères en course, filés artistiques.
- ISO Auto avec une limite haute raisonnable (1600 à 3200) pour ne pas avoir à y penser en permanence au début.
Avec ces deux modes et cette méthode, vous avez tout ce qu’il faut pour apprendre la photographie sur le terrain, progresser sortie après sortie, et obtenir des images dont la technique est maîtrisée.
Mais il y a un moment, assez vite d’ailleurs, où la technique seule ne suffit plus. Deux photos peuvent être parfaitement exposées, parfaitement nettes, avec exactement les mêmes réglages. Et pourtant, l’une vous coupe le souffle tandis que l’autre vous laisse complètement indifférent. La différence entre les deux tient à quelque chose qui n’a rien à voir avec les molettes de votre boîtier.
En bref :
- Le mode Manuel n’est pas un passage obligé pour progresser. Les modes semi-automatiques sont bien plus efficaces pour apprendre.
- Le mode Priorité Ouverture (Av/A) couvre 90 % des situations en photo de nature. Vous choisissez l’ouverture, l’appareil gère la vitesse.
- Le mode Priorité Vitesse (Tv/S) prend le relais dès que le sujet bouge vite : oiseaux en vol, mammifères en course, filés artistiques.
- Les ISO Auto avec une limite haute (1600 à 3200) vous libèrent d’un réglage supplémentaire pendant que vous apprenez.
- En mode Av, le réflexe essentiel est de surveiller la vitesse dans le viseur pour éviter le flou de bougé.
- En mode Tv, le piège principal est le manque de lumière : si l’ouverture clignote, il faut monter les ISO ou baisser la vitesse.
- Repères de vitesse à retenir : 1/2000 s pour un oiseau en vol, 1/500 à 1/1000 s pour un animal en mouvement, 1/250 s minimum pour un sujet immobile.
Apprendre à photographier avec l’œil : les règles de composition
Vous savez maintenant exposer correctement une image. Vous maîtrisez les modes Priorité. Vos photos sont nettes, bien éclairées, techniquement propres.
Et pourtant, il vous manque quelque chose.
Ce quelque chose, c’est ce qui fait qu’on s’arrête sur une image. Ce qui provoque cette petite émotion dans la poitrine, ce “wahou” silencieux quand on tombe sur une photo qui nous happe.
Ce n’est ni l’ouverture, ni la vitesse, ni les ISO.
C’est la composition. Et la lumière.
En fait, la technique que vous avez apprise jusqu’ici, c’est le vocabulaire. La composition, c’est la poésie. C’est ce qui transforme des mots corrects en une phrase qui donne des frissons.
Et la bonne nouvelle, c’est que les règles de composition sont bien plus simples à appliquer que le triangle d’exposition. Il n’y a aucun chiffre à retenir. Aucune molette à tourner. Juste une façon différente de regarder le monde à travers votre viseur.
La règle des tiers : le premier réflexe pour apprendre la photo autrement
Je vais vous raconter un truc qui va peut-être vous parler.
Quand on débute, on fait tous la même chose. Systématiquement. On place le sujet pile au centre de l’image. Le rouge-gorge : au centre. Le sommet de la montagne : au centre. L’arbre isolé dans la prairie : au centre.
C’est un réflexe naturel. L’œil se pose sur le sujet, l’autofocus accroche au milieu du viseur, on déclenche. Logique.
Sauf que ça produit des images statiques, plates, sans dynamisme. Des images qui se ressemblent toutes, peu importe le sujet.
La règle des tiers va changer ça du tout au tout.
Le principe est d’une simplicité absolue. Imaginez que votre image est découpée par deux lignes horizontales et deux lignes verticales, comme une grille de morpion. Vous obtenez neuf cases égales.
Les quatre points où ces lignes se croisent, ce sont les points forts de l’image. C’est là que l’œil humain se dirige naturellement en premier. C’est là que votre sujet principal doit se trouver.
Concrètement, voilà ce que ça donne sur le terrain :
- Un héron au bord d’un étang : vous le placez sur le tiers droit ou gauche de l’image, pas au centre. Le reste de l’étang occupe les deux autres tiers, ce qui donne de la profondeur et du contexte à la scène.
- Un arbre solitaire dans un pré : vous le calez sur l’intersection droite ou gauche, selon la direction de la lumière. La prairie s’étend sur le reste du cadre, et l’image respire.
- Un paysage avec un bel horizon : vous placez la ligne d’horizon sur le tiers supérieur si le sol ou l’eau est intéressant, ou sur le tiers inférieur si c’est le ciel qui est spectaculaire. Jamais au milieu, sauf effet volontaire très précis.
Il faut savoir que la plupart des boîtiers Réflex et Hybrides proposent d’afficher cette grille directement dans le viseur ou sur l’écran arrière. C’est souvent dans les menus d’affichage. Activez-la, et laissez-la en permanence pendant quelques semaines. Elle va recalibrer votre regard naturellement.
La fois où j’ai vraiment compris la puissance de cette règle, c’était en photographiant un écureuil roux sur une branche de pin, en forêt de Fontainebleau. Mes premières tentatives étaient toutes centrées : l’écureuil pile au milieu, la branche coupée des deux côtés, une image sans aucune respiration. Puis j’ai décalé le cadrage. J’ai placé l’écureuil sur le tiers gauche, en le laissant regarder vers l’espace vide à droite du cadre. En une fraction de seconde, l’image a pris vie. On sentait le regard de l’animal partir vers quelque chose qu’on ne voyait pas. Il y avait une intention, une direction, une histoire.
Et c’est ça, le vrai pouvoir de la composition : donner du sens au vide autour de votre sujet. Pour aller encore plus loin dans cette logique, sachez que les lignes directrices sont un autre outil puissant pour guider le regard dans vos images.
Un dernier point essentiel sur cette règle. On l’appelle “règle”, mais c’est davantage un guide. Une fois que vous l’aurez intégrée, vous pourrez volontairement la transgresser. Centrer un sujet peut être très puissant quand c’est un choix délibéré, par exemple pour un portrait frontal très rapproché d’un rapace qui fixe l’objectif droit dans les yeux. La symétrie parfaite crée alors une tension visuelle saisissante.
Mais pour apprendre la photo et progresser rapidement dans la composition de vos images, commencez par appliquer la règle des tiers sans exception pendant vos premières semaines. Elle va structurer votre regard. Et ensuite, quand vous la briserez, ce sera en toute conscience.
La lumière : la matière première du photographe de nature
Voilà un sujet qui change absolument tout.
Vous pouvez avoir la meilleure composition du monde, le sujet le plus spectaculaire, le cadrage le plus soigné. Si la lumière est mauvaise, l’image sera banale.
Et à l’inverse, une lumière extraordinaire peut sublimer le sujet le plus ordinaire. Un simple buisson de ronces, un tas de feuilles mortes, une flaque d’eau dans un chemin de terre. Avec la bonne lumière, ces choses du quotidien deviennent de l’or photographique.
La lumière, c’est littéralement la matière première avec laquelle vous travaillez. Le mot “photographie” signifie d’ailleurs “écrire avec la lumière”. Et apprendre à la lire, c’est probablement la compétence la plus précieuse que vous développerez jamais.
Alors voilà les bases, celles qui vont transformer vos sorties terrain immédiatement.
L’heure dorée. C’est le moment magique. Il se produit deux fois par jour : pendant la première heure après le lever du soleil, et pendant la dernière heure avant le coucher.
À ces moments-là, le soleil est bas sur l’horizon. Sa lumière traverse une épaisseur maximale d’atmosphère, ce qui la rend :
- Chaude : les tons sont dorés, orangés, ambrés. Les couleurs de la nature s’embrasent.
- Douce : les ombres sont longues mais pas dures. Les transitions entre zones éclairées et zones sombres sont progressives, veloutées.
- Directionnelle : le soleil rasant crée un relief saisissant. Chaque brin d’herbe projette une ombre, chaque plume d’oiseau capte un liseré de lumière. Les textures et les volumes explosent.
C’est pour ça que 90 % de mes plus belles photos de nature ont été prises soit très tôt le matin, soit en fin de journée. Pas par hasard. Par choix.
Et puis il y a l’ennemi juré de la photographie de nature : le soleil de midi.
Entre 11 h et 15 h en été (un peu moins en hiver), le soleil est au zénith. La lumière tombe verticalement. Les ombres sont courtes, dures, noires. Les contrastes sont violents. Les couleurs sont délavées par l’excès de luminosité. Les blancs crament, les noirs bouchent.
Un chevreuil photographié à midi aura des orbites noires, un pelage aplati sans relief, et un fond de prairie d’un vert criard et plat. Le même chevreuil à 7 h du matin, avec le soleil qui rase les herbes, aura un pelage texturé et lumineux, des yeux brillants, un fond baigné de vert tendre et doré.
C’est la même scène. Le même appareil. Les mêmes réglages. Seule la lumière a changé.
Voici les repères lumineux que j’utilise sur le terrain pour choisir mes créneaux de sortie :
- L’heure dorée (golden hour) : 1 h après le lever du soleil, 1 h avant le coucher. C’est le moment roi. Priorité absolue si vous pouvez choisir.
- L’heure bleue (blue hour) : 20 à 30 minutes avant le lever du soleil et après le coucher. Le ciel prend des teintes bleutées profondes, la lumière est très faible mais l’ambiance est envoûtante. Parfait pour les paysages et les silhouettes. J’ai d’ailleurs consacré un article complet à comment bien réussir ses photos à l’heure bleue.
- Le ciel couvert : contrairement à ce qu’on croit, un ciel voilé est excellent pour certains sujets. Les nuages agissent comme un gigantesque diffuseur naturel. La lumière est douce, homogène, sans ombre dure. Idéal pour la photo de fleurs, de champignons, de sous-bois, et pour les portraits rapprochés d’animaux.
- Le plein soleil de midi : à éviter autant que possible en pleine nature. Si vous n’avez pas le choix, cherchez un sujet à l’ombre, ou travaillez les contre-jours et les silhouettes pour tirer parti de cet excès de lumière plutôt que de le subir.
Il faut savoir que pour apprendre la photographie sérieusement, l’un des meilleurs exercices que vous puissiez faire est de photographier exactement le même endroit à différentes heures de la journée. Un coin de jardin, un arbre, un point de vue sur un étang. Revenez-y à l’aube, à midi, en fin d’après-midi, au crépuscule. Comparez les résultats côte à côte sur votre écran d’ordinateur.
L’écart sera spectaculaire. Et cette expérience ancrera dans votre mémoire quelque chose qu’aucun livre ne pourra jamais vous enseigner aussi efficacement : la lumière raconte une histoire différente à chaque instant de la journée.
C’est cette sensibilité à la lumière, combinée au placement de votre sujet dans le cadre, qui va faire passer vos images d’un niveau “techniquement correct” à un niveau “émotionnellement puissant”. Et c’est exactement là que le plaisir de la photographie prend une toute autre dimension.
Mais il reste un dernier ingrédient, celui que personne ne mentionne jamais dans les guides pour débutants, et qui fait pourtant toute la différence entre un photographe qui stagne et un photographe qui progresse réellement mois après mois.
En bref :
- La règle des tiers consiste à placer votre sujet sur l’un des quatre points d’intersection d’une grille 3×3, plutôt qu’au centre du cadre. Activez cette grille dans votre viseur et gardez-la en permanence.
- Laissez de l’espace devant le regard de votre sujet. Un animal placé sur le tiers gauche qui regarde vers la droite donne une image vivante, avec une direction et une intention.
- L’heure dorée (1 h après le lever du soleil, 1 h avant le coucher) est le créneau lumineux le plus puissant. Lumière chaude, ombres douces, textures révélées, couleurs sublimées.
- L’heure bleue (20 à 30 min avant le lever et après le coucher du soleil) offre des ambiances bleutées envoûtantes, idéales pour les paysages et les silhouettes.
- Le ciel couvert agit comme un diffuseur géant. C’est une lumière parfaite pour les fleurs, les champignons, les sous-bois et les portraits rapprochés d’animaux.
- Le soleil de midi est à éviter en photo de nature. Ombres dures, contrastes violents, couleurs délavées, reliefs aplatis.
- Photographiez le même endroit à différentes heures de la journée pour ancrer dans votre mémoire l’impact décisif de la lumière sur une image.
- La composition et la lumière sont ce qui transforme une photo techniquement correcte en une image émotionnellement forte.
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Une fois sur le terrain, vous allez remarquer quelque chose d’étonnant. Les réglages que vous trouviez intimidants vont commencer à devenir des gestes naturels, presque instinctifs. Et votre regard, lui, va changer bien plus vite que vous ne l’imaginez.
Mon conseil bonus : lors de votre prochaine sortie, ne prenez qu’une seule photo de chaque scène qui vous touche. Pas dix, pas vingt. Une seule. Ça va vous forcer à réfléchir avant de déclencher, à vraiment apprendre la photo avec intention plutôt qu’avec volume. Croyez-moi, c’est l’exercice le plus formateur que je connaisse.
Et bien dites-moi, je suis sincèrement curieux : quel est l’animal ou le paysage précis que vous rêvez de photographier, mais que votre appareil semble “saboter” à chaque fois que vous essayez ? Racontez-moi ça en commentaire juste en dessous, j’aimerais vraiment savoir ce qui vous motive !
Je vous souhaite de très belles photos et je vous dis à bientôt pour un nouvel article.
Adrien.
Questions fréquentes pour apprendre la photographie
Comment débuter dans la photographie ?
Pour débuter dans la photographie, il faut procéder par étapes. D’abord, s’équiper d’un Réflex ou d’un Hybride avec un zoom polyvalent (type 70-300 mm). Ensuite, comprendre les trois réglages du triangle d’exposition : ouverture, vitesse d’obturation et ISO. Puis quitter le mode automatique en passant au mode Priorité Ouverture (Av/A), qui gère 90 % des situations en photo de nature. Enfin, travailler la composition et apprendre à lire la lumière naturelle. La clé, c’est de pratiquer régulièrement sur le terrain, sans chercher à tout maîtriser d’un coup.
Quelles sont les bases de la photographie ?
Les bases de la photographie reposent sur le triangle d’exposition : l’ouverture du diaphragme (qui gère la lumière et le flou d’arrière-plan), la vitesse d’obturation (qui fige ou suggère le mouvement) et la sensibilité ISO (qui compense le manque de lumière). À ces trois réglages techniques s’ajoutent deux fondamentaux artistiques : la composition (notamment la règle des tiers) et la maîtrise de la lumière naturelle. C’est l’équilibre entre ces cinq éléments qui permet de réussir ses clichés.
Quel appareil photo pour apprendre la photo ?
Pour apprendre la photo sérieusement, je recommande un Réflex ou un Hybride équipé d’un capteur APS-C au minimum. Ces appareils offrent des molettes physiques pour changer vos réglages rapidement, un viseur confortable, et la possibilité de changer d’objectif. Le marché de l’occasion regorge de boîtiers fiables à prix raisonnable. Associez-le à un zoom polyvalent type 70-300 mm pour couvrir la majorité des situations en photo de nature. Les smartphones et les bridges, eux, ont des capteurs trop petits pour gérer la basse lumière et créer du flou d’arrière-plan.
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Qui est l'auteur
Adrien Coquelle
Photographe animalier professionnel
Photographe animalier professionnel depuis 2016, je parcours la Savoie à la recherche d'ambiances particulières, pour immortaliser les animaux emblématiques des Alpes.
Je forme également tous les mois de nombreux photographes voulant progresser rapidement en photo animalière et de nature grâce à mes stages et formations.
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